เมื่อความว่างเปล่ากลายเป็นศิลปะ: ประวัติศาสตร์แห่งการละทิ้ง
ย้อนดูแนวคิดศิลปะหลังสงครามตั้งแต่ Robert Rauschenberg ถึง Yves Klein ที่เปลี่ยนความว่างเปล่าให้กลายเป็นพื้นที่สะท้อนการรับรู้ของผู้ชม
ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง
- ศิลปะหลังสงครามสำรวจการถอดถอนองค์ประกอบมองเห็นและได้ยินออก
- Robert Rauschenberg และ John Cage เปิดทางให้สภาพแวดล้อมเข้ามามีบทบาท
- Yves Klein จัดนิทรรศการ Le Vide ปี 1958 ด้วยการปล่อยห้องแกลเลอรีให้ว่างเปล่า
- Doug Wheeler และ Mark Rothko ใช้พื้นที่และแสงเงาเพื่อเปลี่ยนมุมมองการรับรู้ของผู้ชม
เรามักคุ้นเคยกับการมองศิลปะว่าเป็นสิ่งที่เรียกร้องสายตาของเรา แต่การทดลองครั้งสำคัญในยุคหลังสงครามกลับตั้งคำถามกับความคาดหวังพื้นฐานนี้ โดยเจาะจงว่าจะเป็นอย่างไรหากศิลปินเลือกที่จะถอดถอนองค์ประกอบที่ทำให้ผลงานมองเห็นหรือได้ยินได้ออกไป ผลงานเหล่านี้เปิดพื้นที่ให้สิ่งที่ไม่ชัดเจนได้ปรากฏขึ้น ไม่ว่าจะเป็นแสงที่เปลี่ยนไปในห้อง เสียงของผู้ชม ลักษณะทางกายภาพของสถาปัตยกรรม หรือแม้แต่ความตระหนักรู้ในร่างกายของตนเองที่อยู่ในสถานที่และเวลาเฉพาะเจาะจง
ตั้งแต่ Robert Rauschenberg และ John Cage ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ไปจนถึง Yves Klein, Doug Wheeler, Mark Rothko และ Alvin Lucier มีความสนใจที่เกิดขึ้นซ้ำๆ ว่าสิ่งใดจะเด่นชัดขึ้นเมื่อชิ้นงานเริ่มถอยฉากออกไป ผลงานของพวกเขาชี้ให้เห็นประวัติศาสตร์ทางเลือกของความมหัศจรรย์ ที่ซึ่งความสนใจไม่ได้ถูกดึงดูดด้วยความอัดแน่น แต่ถูกเปลี่ยนทิศทางผ่านความว่างเปล่า
ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง
ทั้ง Cage และ Rauschenberg ต่างสนใจสิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อศิลปินหยุดกำหนดสิ่งที่ผู้ชมควรเจออย่างแม่นยำ และปล่อยให้โลกแวดล้อมเข้ามาในผลงาน นิทรรศการ Le Vide ของ Yves Klein ที่จัดขึ้น ณ Galerie Iris Clert ในกรุงปารีส เมื่อปี 1958 ได้นำตรรกะนี้ออกจากผืนผ้าใบมาสู่แกลเลอรี Klein ทำให้พื้นที่จัดแสดงว่างเปล่าและทาสีขาว โดยนำภาพวาดและวัตถุที่ผู้เข้าชมคาดหวังว่าจะได้เห็นออกไปทั้งหมด การเปิดงานถูกวางแผนอย่างเป็นละครเพื่อเพิ่มผลกระทบจากการก้าวเข้าสู่แกลเลอรีที่งานศิลปะหายไป สิ่งที่หลงเหลือคือสถาปัตยกรรมของห้อง พื้นผิวสีขาว ผู้คนที่ยืนอยู่ข้างใน และความคาดหวังว่าควรจะมีบางสิ่งอยู่ที่นั่น ความไร้ซึ่งตัวงานศิลปะได้เปิดเผยบทบาทปกติของแกลเลอรี และเปลี่ยนตัวพื้นที่ให้กลายเป็นประสบการณ์
"ความว่างเปล่าของงานศิลปะได้เผยให้เห็นบทบาทปกติของแกลเลอรี และเปลี่ยนตัวพื้นที่ให้กลายเป็นประสบการณ์"
Yves Klein
ต่อมาเมื่อศิลปินเริ่มทำงานกับสภาพแวดล้อมทางสถาปัตยกรรมโดยตรง คำถามจึงเปลี่ยนจากการถอดสิ่งใดออกจากงานศิลปะ ไปสู่สิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อสภาพแวดล้อมกลายเป็นสื่อกลาง ผลงาน PSAD Synthetic Desert III ของ Doug Wheeler ที่จัดแสดง ณ Solomon R. Guggenheim Museum ในปี 2017 ได้แปลงโฉมแกลเลอรีผ่านพื้นผิวและแสงที่ควบคุมได้ พร้อมใช้การซับเสียงเพื่อลดเสียงสะท้อนที่ช่วยให้เรารับรู้ขนาดของห้อง
แนวคิดเรื่อง anti-spectacle หรือการต้านความมหัศจรรย์แบบฉูดฉาด เป็นเครื่องมือสำคัญในการทำความเข้าใจศิลปะร่วมสมัยที่มักแข่งขันกันด้วยหน้าจอและสิ่งเร้าทางประสาทสัมผัส การเลือกที่จะละทิ้งองค์ประกอบออกไปช่วยสร้างความตระหนักรู้ใหม่ต่อสภาพแวดล้อมรอบตัวที่มักถูกมองข้ามในชีวิตประจำวัน
ในสภาพแวดล้อมที่สัญญาณเสียงคุ้นเคยถูกปิดกั้น ผู้ชมจะตระหนักรู้ถึงเสียงเล็กๆ และการเคลื่อนไหวมากขึ้น ในขณะที่ขอบเขตของห้องสังเกตยากขึ้น ห้องหยุดทำหน้าที่เป็นพื้นหลังที่เป็นกลางและเริ่มเป็นตัวกำหนดสิ่งที่ผู้ชมรับรู้ ผลงานของ Wheeler จึงไม่ใช่การนำเสนอภาพของทะเลทราย แต่เป็นการสร้างเงื่อนไขการรับรู้ที่เชื่อมโยงกับความกว้างใหญ่และความนิ่งสงบ
โบสถ์ Rothko Chapel ในฮิวสตันเข้าสู่ดินแดนเดียวกันผ่านบรรยากาศที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิง โบสถ์แห่งนี้เปิดขึ้นในปี 1971 โดยบรรจุภาพวาดขนาดใหญ่ 14 ชิ้นของ Mark Rothko ภายในสภาพแวดล้อมที่ออกแบบมาเพื่อการไตร่ตรอง มีแสงธรรมชาติสลัวและการรบกวนทางสายตาน้อยมากนอกเหนือจากตัวภาพวาด พื้นที่นี้ปฏิเสธการกระตุ้นสายตาอย่างรวดเร็วที่กำหนดประสบการณ์ในพิพิธภัณฑ์ส่วนใหญ่ ขนาด ความมืด และความนิ่งช่วยให้ผู้ชมมุ่งเน้นไปที่องค์ประกอบภาพจำนวนน้อยได้นานขึ้นในขณะที่เวลาแปรเปลี่ยนเป็นส่วนหนึ่งของประสบการณ์
ที่มา: designboom
พบข้อมูลผิดพลาดในบทความนี้? แจ้งปัญหาบทความนี้
ความคิดเห็น
แสดงความคิดเห็น