<div class="key-takeaways"><ul><li>ททท. หนุน Bangkok Art Biennale 2026 ภายใต้ธีม Angels &amp; Mara</li><li>งานจัดแสดงในสถานที่สำคัญ เช่น วัดอรุณฯ วัดโพธิ์ และศูนย์ศิลปวัฒนธรรมกรุงเทพฯ</li><li>ดึงศิลปินไทยและต่างชาติร่วมสร้างสรรค์ผลงานหลากหลายแขนง</li><li>ตั้งเป้ากระตุ้น Festival Economy และยกระดับการท่องเที่ยวเชิงวัฒนธรรม</li></ul></div><p>การท่องเที่ยวแห่งประเทศไทย (ททท.) เดินหน้าผลักดันยุทธศาสตร์การท่องเที่ยวเชิงคุณค่า โดยชูงาน <strong>Bangkok Art Biennale 2026 (BAB 2026)</strong> ให้เป็นแพลตฟอร์มศิลปะร่วมสมัยระดับเมืองที่กระจายตัวอยู่ทั่วกรุงเทพมหานคร งานนี้ไม่เพียงแต่นำเสนอความคิดสร้างสรรค์และเอกลักษณ์ร่วมสมัย แต่ยังมุ่งสร้างแรงจูงใจใหม่ๆ ในการเดินทางท่องเที่ยว พร้อมทั้งขับเคลื่อนเศรษฐกิจเทศกาล (Festival Economy) และเชื่อมโยงผู้เยี่ยมชมเข้ากับมรดกทางวัฒนธรรมและจินตนาการของประเทศไทย</p><p>สำหรับแนวคิดหลักในการจัดงานปีนี้ใช้ชื่อว่า <strong>Angels &amp; Mara</strong> ซึ่งสะท้อนถึงความขัดแย้งระหว่างผู้พิทักษ์แห่งแสงสว่างและพลังแห่งความเย้ายวน โดยดึงเอาประเพณีทางศาสนา วัฒนธรรม และปรัชญามาตีแผ่แง่มุมคู่ขนานในชีวิตยุคใหม่ เช่น ความหวังและความสิ้นหวัง จิตวิญญาณและวัตถุนิยม ความทรงจำและการหลงลืม ตลอดจนความปรารถนาและการหักห้ามใจ ธีมดังกล่าวตั้งชื่อตามความหมายของกรุงเทพฯ ในภาษาไทยว่า เมืองแห่งเทวดา (Krung Thep) เพื่อให้ศิลปินได้ใช้เป็นกรอบในการสะท้อนความเปลี่ยนแปลงและความขัดแย้งในสังคมปัจจุบัน</p><div class="stat-row"><div class="stat-item"><span class="stat-number">3.5M+</span><span class="stat-label">ผู้เข้าชมในอดีต</span></div><div class="stat-item"><span class="stat-number">300+</span><span class="stat-label">ศิลปินที่เคยเข้าร่วม</span></div><div class="stat-item"><span class="stat-number">2018</span><span class="stat-label">ปีที่เริ่มจัดงานครั้งแรก</span></div></div><p>โปรแกรมการจัดงานจะรวบรวมศิลปินและกลุ่มศิลปินทั้งจากประเทศไทยและทั่วโลก มาถ่ายทอดผลงานผ่านสื่อหลากหลายรูปแบบ เช่น จิตรกรรม ประติมากรรม ภาพถ่าย ศิลปะการแสดง ภาพยนตร์ และสื่อผสม ซึ่งช่วยตอกย้ำให้ BAB 2026 เป็นเวทีสำหรับการสนทนาระหว่างวัฒนธรรมและคนต่างรุ่น</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/bangkok_art_biennale_2026_mu3n3jb5_inline_1_783546c343.jpg" alt="Thailand university traditional roof campus Bangkok" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง</p></div><blockquote class="pull-quote"><p>&quot;Bangkok Art Biennale 2026 reflects TAT’s direction to position Thailand as a high-value and meaningful destination, where culture, creativity and contemporary identity create deeper reasons to travel.&quot;</p><cite>Ms. Thapanee Kiatphaibool, TAT Governor</cite></blockquote><p>พื้นที่จัดแสดงงานจะกระจายตัวไปยังศาสนสถาน พิพิธภัณฑ์ สถาบันวัฒนธรรม และแลนด์มาร์กสำคัญทั่วกรุงเทพฯ สถานที่หลักประกอบด้วย:</p><ul><li>วัดอรุณราชวรารามราชวรมหาวิหาร</li><li>วัดโพธิ์ (วัดพระเชตุพนวิมลมังคลาราม)</li><li>วัดประยุรวงศาวาสวรวิหาร</li><li>มิวเซียมสยาม และหอศิลปวัฒนธรรมแห่งกรุงเทพมหานคร (BACC)</li><li>ศูนย์การค้าวันแบงค็อก เซ็นทรัลเวิลด์ และสยามพารากอน</li><li>พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติ พระนคร และหอศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร</li></ul><div class="ai-insight"><p>การจัดงาน Bangkok Art Biennale ในลักษณะ citywide หรือกระจายตัวทั่วเมืองถือเป็นโมเดลสำคัญในการเปลี่ยนผ่านจากการท่องเที่ยวแบบเดิมไปสู่การท่องเที่ยวเชิงสร้างสรรค์ (Creative Tourism) โดยอาศัยทุนทางวัฒนธรรมดั้งเดิมผสานเข้ากับงานร่วมสมัย ซึ่งช่วยกระจายรายได้สู่ชุมชนริมน้ำ ย่านเมืองเก่า และธุรกิจบริการรอบพื้นที่จัดงาน รวมถึงสร้างมูลค่าเพิ่มให้กับอุตสาหกรรมการท่องเที่ยวของไทยในระยะยาวตามวิสัยทัศน์ของ ททท.</p></div><p>ความสำเร็จของงานในอดีตตั้งแต่มหกรรมครั้งแรกในปี 2561 สามารถดึงดูดผู้เข้าชมมากกว่า 3.5 ล้านคน มีผลงานจากศิลปินกว่า 300 ชีวิตทั่วโลก รวมถึงแพลตฟอร์มเสมือนจริงในยุคโควิด-19 ที่มียอดผู้ชมออนไลน์ทั่วโลกกว่า 2.3 ล้านคน โดยในปีนี้ยังคงได้รับความร่วมมือจากภาครัฐ ภาคเอกชน และพาร์ทเนอร์สำคัญอย่างบริษัท ไทยเบฟเวอเรจ จำกัด (มหาชน) ที่ให้การสนับสนุนต่อเนื่องมาตั้งแต่ปี 2561 ผู้ที่สนใจสามารถติดตามรายละเอียดตารางกิจกรรมและศิลปินเพิ่มเติมได้ผ่านช่องทางหลักของ Bangkok Art Biennale</p><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.tatnews.org&sz=64" alt="TAT Newsroom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.tatnews.org/2026/09/tat-spotlights-bangkok-art-biennale-2026-as-a-contemporary-citywide-art-experience/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">TAT Newsroom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>TAT promotes Bangkok Art Biennale 2026 under the Angels &amp; Mara theme</li><li>Exhibitions span historic temples, museums, and modern venues in Bangkok</li><li>Features diverse artists and collectives from Thailand and worldwide</li><li>Aims to stimulate the festival economy and culture-led tourism</li></ul></div><p>The Tourism Authority of Thailand (TAT) is advancing its high-value tourism strategy by spotlighting the <strong>Bangkok Art Biennale 2026 (BAB 2026)</strong> as a citywide contemporary art platform. The initiative aims to position the Thai capital as a global art destination, utilizing culture, creativity, and contemporary identity to inspire meaningful travel while supporting the festival economy and connecting visitors with Thailand's rich heritage.</p><p>The overarching theme for this edition is <strong>Angels &amp; Mara</strong>, exploring the tension between guardians of light and forces of temptation. Drawing on religious, cultural, and philosophical traditions, the theme examines modern dualities such as hope and despair, spirituality and materialism, memory and forgetting, and desire and restraint. Derived from Bangkok's Thai name, Krung Thep (City of Angels), the concept offers visitors a deeper perspective of the capital while providing artists with a framework to reflect on contemporary societal transformations.</p><div class="stat-row"><div class="stat-item"><span class="stat-number">3.5M+</span><span class="stat-label">Past Visitors</span></div><div class="stat-item"><span class="stat-number">300+</span><span class="stat-label">Past Artists</span></div><div class="stat-item"><span class="stat-number">2018</span><span class="stat-label">Inaugural Year</span></div></div><p>The programme features a growing roster of local and international artists and collectives working across painting, sculpture, photography, performance art, film, and multimedia, reinforcing BAB 2026 as a dynamic international platform for cross-cultural dialogue.</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/bangkok_art_biennale_2026_mu3n3jb5_inline_1_783546c343.jpg" alt="Thailand university traditional roof campus Bangkok" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">Stock photo for illustration only, not from the actual event</p></div><blockquote class="pull-quote"><p>&quot;Bangkok Art Biennale 2026 reflects TAT’s direction to position Thailand as a high-value and meaningful destination, where culture, creativity and contemporary identity create deeper reasons to travel.&quot;</p><cite>Ms. Thapanee Kiatphaibool, TAT Governor</cite></blockquote><p>Exhibition venues will be distributed across temples, cultural institutions, educational spaces, and major landmarks throughout the city, connecting historical quarters and modern districts:</p><ul><li>Wat Arun (Temple of Dawn) and Wat Pho (Temple of the Reclining Buddha)</li><li>Wat Prayoon (Temple of the Iron Fences)</li><li>Museum Siam and Bangkok Art and Culture Centre (BACC)</li><li>One Bangkok, centralwOrld, and Siam Paragon</li><li>National Museum Bangkok and Silpakorn University Art Centre</li></ul><div class="ai-insight"><p>Staging an art biennale as a citywide experience represents a strategic shift toward creative tourism, seamlessly blending traditional cultural assets with modern artistic expressions. This approach successfully distributes economic benefits to riverside communities, historic districts, and local hospitality businesses, while enhancing the long-term value of Thailand's tourism sector in alignment with TAT's vision.</p><p>Building on the success of previous editions since 2018—which attracted over 3.5 million visitors and featured works by more than 300 artists globally, alongside a virtual venue reaching 2.3 million online viewers—BAB 2026 continues its collaboration with key cultural, government, and private partners, including Thai Beverage Public Company Limited as a major supporter. Further information regarding participating artists, artworks, and schedules is available through official Bangkok Art Biennale channels.</p><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.tatnews.org&sz=64" alt="TAT Newsroom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.tatnews.org/2026/09/tat-spotlights-bangkok-art-biennale-2026-as-a-contemporary-citywide-art-experience/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">TAT Newsroom</a></p>

medium_bangkok-art-biennale-2026-ททท-ชูดึงศิลปะร่วมสมัย-mu3n3jb5.jpg

small_bangkok-art-biennale-2026-ททท-ชูดึงศิลปะร่วมสมัย-mu3n3jb5.jpg

thumbnail_bangkok-art-biennale-2026-ททท-ชูดึงศิลปะร่วมสมัย-mu3n3jb5.jpg

bangkok-art-biennale-2026-ททท-ชูดึงศิลปะร่วมสมัย-mu3n3jb5.jpg

การท่องเที่ยวแห่งประเทศไทยชูงาน Bangkok Art Biennale 2026 ภายใต้ธีม Angels & Mara เพื่อผลักดันกรุงเทพฯ เป็นศูนย์กลางศิลปะร่วมสมัยระดับโลก

TAT highlights Bangkok Art Biennale 2026 under the theme Angels & Mara to position Thailand as a global contemporary art destination.

Bangkok Art Biennale 2026: ททท. ชูดึงศิลปะร่วมสมัย

Bangkok Art Biennale 2026: TAT Spotlights Contemporary Art

<div class="key-takeaways"><ul><li>Naru Hiko สร้างสรรค์ภาพวาดสีน้ำมันที่สะท้อนทิวทัศน์รอบตัวในญี่ปุ่น</li><li>ผลงานเน้นวัตถุธรรมดา เช่น ม้านั่ง กรวยจราจร และรั้วในพื้นที่สาธารณะ</li><li>ศิลปินลดทอนสีสันและรูปทรงเรขาคณิตเพื่อให้เกิดมุมมองใหม่</li><li>ผลงานชิ้นนี้ถูกส่งเข้ามาผ่านฟีเจอร์ DIY submissions ของ designboom</li></ul></div><p>ผลงานภาพวาดสีน้ำมันล่าสุดจากศิลปิน Naru Hiko นำเสนอทิวทัศน์ที่คุ้นเคยในประเทศญี่ปุ่นผ่านมุมมองที่เรียบง่ายแต่ทรงพลัง โดยเน้นถ่ายทอดองค์ประกอบธรรมดาที่พบได้ทั่วไปตามสวนสาธารณะและย่านที่อยู่อาศัย ซึ่งมักถูกมองข้ามในชีวิตประจำวัน เช่น ม้านั่ง กรวยจราจร รั้วกั้น และเครื่องเล่นในสนามเด็กเล่น</p><p>แนวคิดเบื้องหลังผลงานชุดนี้มาจากการเดินสำรวจพื้นที่สาธารณะและย่านชุมชนต่างๆ ในญี่ปุ่น โดยศิลปินไม่ได้พยายามวาดภาพออกมาตามความเป็นจริงแบบตรงไปตรงมา แต่เลือกที่จะลดทอนรูปทรงและสีสันของวัตถุเหล่านั้นให้เหลือเพียงโครงสร้างหลักและโทนสีที่จำเป็น</p><p>การปรับเปลี่ยนองค์ประกอบเหล่านี้ช่วยสร้างภาพรวมที่เปลี่ยนวิธีรับรู้สิ่งแวดล้อมรอบตัว ผลงานยังคงกลิ่นอายของทิวทัศน์ญี่ปุ่นที่ผู้คนคุ้นเคย แต่สอดแทรกความนามธรรมผ่านการใช้สีและรูปทรงเรขาคณิต เพื่อให้สถานที่ธรรมดากลับมามีความน่าสนใจและแปลกใหม่ในสายตาผู้ชมอีกครั้ง</p><div class="ai-insight"><p>การนำสิ่งของธรรมดาในเมืองมาตีความใหม่ผ่านงานศิลปะถือเป็นแนวทางที่ช่วยให้เราตระหนักถึงความงามในรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ที่มักถูกละเลยในความเร่งรีบของชีวิตประจำวัน แนวทางนี้มีความคล้ายคลึงกับศิลปะแนวMinimalism ที่เน้นการลดทอนสิ่งเกินจำเป็นเพื่อให้ผู้ชมโฟกัสกับแก่นแท้ของรูปทรงและพื้นที่ว่าง</p></div><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/colorful-oil-paintings-quiet-scenes-everyday-japan-naru-hiko/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>Artist Naru Hiko creates oil paintings inspired by everyday walks in Japan</li><li>The artworks focus on overlooked urban elements like benches and traffic cones</li><li>Forms and colors are simplified to offer a fresh perspective on familiar scenes</li><li>The project was submitted to designboom via their DIY submissions feature</li></ul></div><p>A fresh series of oil paintings by artist Naru Hiko reimagines familiar landscapes across Japan by focusing on the ordinary elements found within public parks and residential neighborhoods. The artworks draw inspiration from everyday walks through urban spaces, bringing attention to recurring subjects that often go unnoticed during daily routines.</p><p>Instead of replicating these scenes in a literal manner, the artist simplifies and reconstructs their colors and forms. Familiar objects such as benches, traffic cones, fences, and playground structures are reduced to essential shapes and tones, creating compositions that alter how everyday surroundings are perceived by viewers.</p><p>The resulting paintings remain firmly rooted in recognizable Japanese environments while introducing a distinct degree of abstraction through color, geometry, and form. By shifting the perspective on these overlooked details, the works make ordinary public spaces appear entirely new.</p><div class="ai-insight"><p>Transforming mundane urban objects into art encourages observers to appreciate the subtle aesthetics hidden within routine environments. This approach echoes minimalist artistic traditions that strip away excess details to help audiences focus purely on fundamental forms, colors, and spatial relationships.</p></div><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/colorful-oil-paintings-quiet-scenes-everyday-japan-naru-hiko/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

medium_งานศิลปะสีน้ำมัน-naru-hiko-ถ่ายทอดวิถีชีวิตญี่ปุ่น-mtwhu03p.jpg

small_งานศิลปะสีน้ำมัน-naru-hiko-ถ่ายทอดวิถีชีวิตญี่ปุ่น-mtwhu03p.jpg

thumbnail_งานศิลปะสีน้ำมัน-naru-hiko-ถ่ายทอดวิถีชีวิตญี่ปุ่น-mtwhu03p.jpg

งานศิลปะสีน้ำมัน-naru-hiko-ถ่ายทอดวิถีชีวิตญี่ปุ่น-mtwhu03p.jpg

ศิลปิน Naru Hiko เผยผลงานภาพวาดสีน้ำมันที่นำทิวทัศน์และสิ่งของในชีวิตประจำวันของญี่ปุ่น มาลดทอนรูปทรงและสีสันให้เรียบง่ายแต่สะดุดตา

Artist Naru Hiko presents a series of oil paintings that simplify familiar Japanese landscapes and ordinary objects into striking abstract compositions.

งานศิลปะสีน้ำมัน Naru Hiko ถ่ายทอดวิถีชีวิตญี่ปุ่น

Naru Hiko Oil Paintings Capture Everyday Japan Scenes

<div class="key-takeaways"><ul><li>Atlas Re-Edificatoria จับคู่ภาพถ่ายการรีโนเวทอาคารกับศิลปะร่วมสมัยจากสเปน</li><li>จัดแสดงภาพถ่าย 7 จาก 17 บท ตามโครงการ Re-Edificatòria ของช่างภาพ Adrià Goula</li><li>เป็นส่วนหนึ่งของโปรแกรม Barcelona 2026 World Capital of Architecture จัดถึง 27 กันยายน 2026</li></ul></div><p>นิทรรศการ Atlas Re-Edificatoria ได้นำภาพถ่ายบันทึกขั้นตอนการปรับปรุงอาคารมาจัดแสดงคู่กับผลงานประติมากรรมและงานอินสตอลเลชันจากศิลปินร่วมสมัยชาวคาตาลันและภูมิภาคอื่นๆ ของสเปน โดยงานนี้มุ่งเน้นการสร้างบทสนทนาเพื่อค้นหาภาษากลางและแนวคิดที่เชื่อมโยงกันระหว่างงานก่อสร้างและงานศิลปะร่วมสมัย</p><p>ภาพถ่ายทั้งหมดคัดสรรมาจากคลังผลงานของ Adrià Goula ช่างภาพสถาปัตยกรรม ภายใต้โครงการศิลปะที่มีชื่อว่า Re-Edificatòria ซึ่งแบ่งโครงสร้างออกเป็น 17 บท โดยแต่ละบทสะท้อนถึงขั้นตอนหรือการกระทำสำคัญในการรีโนเวท เช่น การขุดเจาะ การรื้อถอน การสะสม การค้ำยันชั่วคราว และการป้องกัน เป็นต้น</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/atlas_re_edificatoria_2026_mtq2j5vm_inline_1_b175b69b2d.jpg" alt="contemporary art sculpture installation gallery exhibition" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง</p></div><p>กระบวนการเหล่านี้ช่วยเปลี่ยนความสนใจจากตัวอาคารที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว ไปสู่ช่วงเวลาชั่วคราวก่อนที่จะกลายมาเป็นสถาปัตยกรรมจริง ภาพถ่ายสามารถบันทึกโครงสร้างเดิม วัสดุ เครื่องมือ และร่องรอยที่ยังสร้างไม่เสร็จให้ออกมาเป็นองค์ประกอบทางศิลปะที่ซ้อนทับกันระหว่างอดีตและอนาคตของอาคาร</p><div class="ai-insight"><p>การนำภาพถ่ายกระบวนการก่อสร้างมาตีความผ่านมุมมองศิลปะร่วมสมัยช่วยให้เรามองเห็นสถาปัตยกรรมในมิติที่ลึกซึ้งขึ้น มากกว่าแค่ตึกเสร็จพร้อมใช้งาน แต่คือร่องรอยทางเวลาและแรงงานมนุษย์ที่ถูกซ่อนไว้หลังผนังและคาน ซึ่งแนวคิดนี้สะท้อนทิศทางของสถาปัตยกรรมยุคใหม่ที่ให้ความสำคัญกับการรีโนเวทและรักษาโครงสร้างเดิมมากกว่าการทุบสร้างใหม่ทั้งหมด</p></div><p>ภายในงาน นิทรรศการได้คัดเลือกเนื้อหา 7 บทจากทั้งหมด 17 บทมาจัดแสดงเคียงข้างกับผลงานศิลปะ เพื่อสะท้อนให้เห็นว่ากระบวนการทางกายภาพในงานก่อสร้างมีความสอดคล้องกับวิธีการสร้างสรรค์งานประติมากรรมและอินสตอลเลชันอย่างไรบ้าง</p><p>นิทรรศการครั้งนี้ยังเป็นส่วนหนึ่งของวาระ Barcelona 2026 World Capital of Architecture ที่ได้รับการแต่งตั้งจาก UNESCO และสหภาพสถาปนิกนานาชาติ (UIA) โดยมีการจัดกิจกรรมหลากหลายสาขาตั้งแต่วันที่ 12 กุมภาพันธ์ ถึง 13 ธันวาคม 2026 ด้วยความร่วมมือจากสถาบันการศึกษาและหน่วยงานวัฒนธรรมทั่วแคว้นคาตาลัน</p><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/atlas-re-edificatoria-exhibition-renovation-photography-contemporary-catalan-art-adria-goula/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>Atlas Re-Edificatoria pairs building renovation photography with contemporary Spanish art.</li><li>Features seven out of seventeen chapters from photographer Adrià Goula's Re-Edificatòria project.</li><li>Part of the Barcelona 2026 World Capital of Architecture program running through September 27, 2026.</li></ul></div><p>Atlas Re-Edificatoria brings together photographs documenting building renovations alongside sculptures and installations created by contemporary artists from Catalonia and across Spain. The exhibition creates a direct dialogue to examine shared visual languages and conceptual approaches between physical construction and artistic practice.</p><p>The featured photographs originate from the archive of architectural photographer Adrià Goula and his artistic project Re-Edificatòria. The project is organized into seventeen chapters, with each section corresponding to a specific action or phase in the renovation workflow, such as excavating, stripping, accumulating, micro-shoring, and protecting.</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/atlas_re_edificatoria_2026_mtq2j5vm_inline_1_b175b69b2d.jpg" alt="contemporary art sculpture installation gallery exhibition" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">Stock photo for illustration only, not from the actual event</p></div><p>These temporary construction stages shift focus away from finished architectural buildings and onto ephemeral spatial conditions. Through photography, raw materials, unfinished surfaces, and temporary supports become visible compositions that capture the coexistence of an existing structure and its upcoming architectural form.</p><div class="ai-insight"><p>Highlighting the construction process as an independent artistic subject bridges the gap between utilitarian engineering and contemporary sculpture. This curatorial approach reflects broader architectural trends favoring adaptive reuse and renovation over demolition, celebrating the layered histories embedded within existing urban fabric.</p><p>The exhibition showcases seven selected chapters from the seventeen-part project, placing Goula's photographs side-by-side with contemporary artworks. Operations like subdivision, restructuring, and accumulation serve as bridges connecting practical architectural actions with modern installation methods.</p><p>This showcase forms a core part of the Barcelona 2026 World Capital of Architecture program, a designation awarded by UNESCO and the International Union of Architects (UIA). Running from February 12 to December 13, 2026, the multidisciplinary initiative involves universities, cultural institutions, and professional organizations across Catalonia.</p><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/atlas-re-edificatoria-exhibition-renovation-photography-contemporary-catalan-art-adria-goula/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

medium_atlas-re-edificatoria-2026-นิทรรศการเชื่อมภาพถ่ายการรีโนเวทกับศิลปะร่วมสมัย-mtq2j5vm.jpg

small_atlas-re-edificatoria-2026-นิทรรศการเชื่อมภาพถ่ายการรีโนเวทกับศิลปะร่วมสมัย-mtq2j5vm.jpg

thumbnail_atlas-re-edificatoria-2026-นิทรรศการเชื่อมภาพถ่ายการรีโนเวทกับศิลปะร่วมสมัย-mtq2j5vm.jpg

atlas-re-edificatoria-2026-นิทรรศการเชื่อมภาพถ่ายการรีโนเวทกับศิลปะร่วมสมัย-mtq2j5vm.jpg

นิทรรศการ Atlas Re-Edificatoria นำภาพถ่ายการรีโนเวทสถาปัตยกรรมจาก Adrià Goula มาจัดแสดงร่วมกับงานประติมากรรมและอินสตอลเลชันจากศิลปินสเปน ระหว่างวันที่ 19 มิถุนายน ถึง 27 กันยายน 2026 ภายใต้โปรแกรมบาร์เซโลนาเมืองหลวงทางสถาปัตยกรรมโลก

Atlas Re-Edificatoria pairs building renovation photography by Adrià Goula with contemporary Spanish art from June 19 to September 27, 2026, as part of Barcelona's World Capital of Architecture program.

Atlas Re-Edificatoria 2026: นิทรรศการเชื่อมภาพถ่ายการรีโนเวทกับศิลปะร่วมสมัย

Atlas Re-Edificatoria 2026: Renovation Photography Meets Catalan Art

<div class="key-takeaways"><ul><li>Manifesta 16 สำรวจประวัติศาสตร์ภูมิภาครูห์รผ่านศาสนสถานและงานศิลปะ</li><li>เส้นทางจักรยาน Erzbahntrasse อดีตเส้นทางขนส่งสินค้าที่ถูกเปลี่ยนเป็นเลนจักรยาน</li><li>โครงการจัดแสดงผลงานศิลปะร่วมสมัยจากศิลปินหลายราย เช่น Cudelice Brazelton IV และ Nasan Tur</li><li>บทความนี้เป็นส่วนหนึ่งของตอน MODES OF HABITATION จาก designboom</li></ul></div><p>ภูมิภาครูห์รมีประวัติศาสตร์ที่ซับซ้อนในกรอบของทวีปยุโรป เนื่องจากความอุดมสมบูรณ์ของทรัพยากรธรรมชาติ พื้นที่แห่งนี้ตั้งอยู่ตรงจุดบรรจบของแม่น้ำรูห์รและแม่น้ำไรน์ ทำให้ได้เปรียบในเชิงโลจิสติกส์ในฐานะท่าMเรือน้ำจืด คู่มือแนะนำของ Manifesta แนะนำให้ผู้มาเยือนเดินทางสัญจรระหว่างเมืองด้วยจักรยาน โดยใช้เส้นทาง Erzbahntrasse ซึ่งเป็นอดีตเส้นทางรถขนส่งสินค้าที่ถูกปรับเปลี่ยนให้กลายเป็นเส้นทางจักรยาน ที่ไม่เพียงสะท้อนถึงวิวัฒนาการของโครงสร้างพื้นฐาน แต่ยังเต็มไปด้วยพรรณพืชท้องถิ่นและทัศนียภาพของคลองไรน์-เฮิร์น</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/manifesta_16_mtgf3r5x_inline_1_8bc7fb34e7.jpg" alt="modern minimalist contemporary architecture Europe" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง</p></div><p>การเดินทางไปยังโบสถ์แต่ละแห่งเปรียบเสมือนการทัวร์ครั้งใหญ่ทั่วภูมิภาครูห์ร การปั่นจักรยานช่วยให้ผู้เดินทางได้สัมผัสกับความหนาแน่นของพรรณไม้ที่ปกคลุมอยู่ทุกมุม ส่วนการเลือกใช้บริการระบบขนส่งสาธารณะก็เปิดโอกาสให้ได้เห็นใบหน้าที่เปลี่ยนไปของเยอรมนีตะวันตก ในทุกๆ สถานที่ที่แวะเวียนไป มุมมองใหม่เกี่ยวกับภูมิภาคนี้จะปรากฏขึ้น ซึ่งเป็นดินแดนที่อยู่บนปากเหวแห่งความเปลี่ยนแปลงมาอย่างยาวนาน แต่ก็ยังคงยึดถือร่องรอยแห่งอดีตเอาไว้</p><div class="ai-insight"><p>งานมหกรรมศิลปะนานาชาติอย่าง Manifesta มักเลือกจัดแสดงในพื้นที่ที่มีความเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจและอุตสาหกรรม เพื่อใช้ศิลปะเป็นเครื่องมือในการฟื้นฟูและตั้งคำถามต่อพื้นที่สาธารณะ ภูมิภาครูห์รในเยอรมนีถือเป็นกรณีศึกษาที่ชัดเจนของการเปลี่ยนผ่านจากยุคอุตสาหกรรมหนักสู่ยุควัฒนธรรมและการท่องเที่ยว</p></div><p>การนำพื้นที่ทางศาสนาเหล่านี้กลับมาอยู่ในสายตาอีกครั้ง ทำให้ Manifesta 16 สามารถบอกเล่าประวัติศาสตร์ของภูมิภาคยุโรปแห่งนี้ผ่านมิติของงานศิลปะ การมีส่วนร่วมของประชาชน และความเป็นชุมชน โดยมีผลงานจากศิลปินและกลุ่มศิลปินที่เข้าร่วมจัดแสดง เช่น Cudelice Brazelton IV, William Engelen, Nasan Tur, Abbas Zahedi รวมถึง Cabosanroque Collective ร่วมกับ FLEXO ARQUITECTURA</p><p>บทความชิ้นนี้เป็นส่วนหนึ่งของบท MODES OF HABITATION ของ designboom ซึ่งมุ่งสำรวจว่าพื้นที่ที่เราอยู่อาศัยสามารถหลอมรวมวิถีชีวิตของเราเข้าด้วยกันใหม่อย่างไร พร้อมทั้งค้นหาเรื่องราวอื่นๆ ที่ชวนให้คิดทบทวนเรื่องการอยู่อาศัยร่วมกันและรูปแบบที่บ้านสามารถเป็นได้</p><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/manifesta-16-past-present-future-ruhr-churches/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>Manifesta 16 examines the history of the Ruhr region through sacred spaces and art.</li><li>The Erzbahntrasse bike path transformed a former freight line into a cycling route.</li><li>Contemporary art installations feature works by artists such as Cudelice Brazelton IV and Nasan Tur.</li><li>This article is part of designboom's MODES OF HABITATION chapter.</li></ul></div><p>The Ruhr region holds a complex history within the European framework due to its natural resources. Situated at the convergence of the Ruhr and the Rhine rivers, it boasts logistical advantages as an inland port. To navigate between cities, the Manifesta Guide recommends cycling along the Erzbahntrasse, a former freight line converted into a bike path that showcases the region's infrastructural evolution alongside local foliage and views of the Rhine-Herne Canal.</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/manifesta_16_mtgf3r5x_inline_1_8bc7fb34e7.jpg" alt="modern minimalist contemporary architecture Europe" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">Stock photo for illustration only, not from the actual event</p></div><p>Visiting each church requires a grand tour across the Ruhr region. Traveling by bicycle reveals dense foliage reaching every corner, while public transport exposes the shifting face of western Germany. At every location, a fresh perspective of the area emerges—a territory long standing on the precipice of change while holding onto relics of the past.</p><div class="ai-insight"><p>International art events like Manifesta frequently utilize regions undergoing industrial and economic transition to revitalize post-industrial landscapes and stimulate public discourse. The Ruhr region in Germany serves as a prominent example of shifting from heavy industry toward cultural and artistic regeneration.</p><p>By bringing these religious structures into public view, Manifesta 16 uncovers the history of this European region through art, participation, and community. The exhibition includes works from various contributors, such as Cudelice Brazelton IV, William Engelen, Nasan Tur, Abbas Zahedi, and the Cabosanroque Collective with FLEXO ARQUITECTURA.</p><p>This article is a part of designboom's MODES OF HABITATION chapter, exploring how inhabited spaces reshape communal living and rethinking the diverse forms a home can take.</p><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/manifesta-16-past-present-future-ruhr-churches/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

medium_manifesta-16-เจาะลึกอดีต-ปัจจุบัน-และอนาคตรัฐรูห์ร-mtgf3r5x.jpg

small_manifesta-16-เจาะลึกอดีต-ปัจจุบัน-และอนาคตรัฐรูห์ร-mtgf3r5x.jpg

thumbnail_manifesta-16-เจาะลึกอดีต-ปัจจุบัน-และอนาคตรัฐรูห์ร-mtgf3r5x.jpg

manifesta-16-เจาะลึกอดีต-ปัจจุบัน-และอนาคตรัฐรูห์ร-mtgf3r5x.jpg

Manifesta 16 พาสำรวจภูมิภาครูห์รในเยอรมนีตะวันตก ผ่านโบสถ์และงานศิลปะ พร้อมแนะนำการเดินทางด้วยจักรยานและระบบขนส่งสาธารณะ

Manifesta 16 highlights the Ruhr region in western Germany through churches and art, featuring bike routes and public transit.

Manifesta 16 เจาะลึกอดีต ปัจจุบัน และอนาคตรัฐรูห์ร

Manifesta 16 Explores the Ruhr's Churches and History

<div class="key-takeaways"><ul><li>ริการ์โด ลูเอวานอส จัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกในเอเชียชื่อ The Sky Promised Nothing</li><li>จัดแสดงที่ Diesel Art Gallery กรุงโตเกียว ตั้งแต่วันที่ 25 กรกฎาคม ถึง 23 กันยายน 2026</li><li>ผลงานผสมผสานทั้งจิตรกรรม สื่อผสม ประติมากรรม และงานติดตั้งเฉพาะพื้นที่</li><li>ไฮไลต์สำคัญคือบันไดหักที่ขาดขั้นแรกและประติมากรรมรูปนกที่แขวนอยู่ทั่วแกลเลอรี</li></ul></div><p>ริการ์โด ลูเอวานอส ศิลปินผู้มีฐานการทำงานอยู่ในเมืองกัวดาลาฮารา ประเทศเม็กซิโก กำลังจะจัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกในทวีปเอเชียภายใต้ชื่อ The Sky Promised Nothing โดยงานศิลปะชุดนี้จะจัดแสดงขึ้นที่ Diesel Art Gallery ในกรุงโตเกียว ประเทศญี่ปุ่น ตั้งแต่วันที่ 25 กรกฎาคม ไปจนถึงวันที่ 23 กันยายน 2026</p><p>ผลงานของลูเอวานอสครอบคลุมหลากหลายแขนง ทั้งการวาดภาพดิจิทัล สื่อผสม จิตรกรรม ประติมากรรม และงานติดตั้งศิลปะ โดยเขาสร้างสรรค์เรื่องราวทางสายตาที่มีความหมายลึกซึ้ง เพื่อสำรวจความรู้สึกโหยหา ความคิดถึง ความหวัง และความปรารถนาของมนุษย์ในการก้าวข้ามขีดจำกัดที่ตนเองรับรู้ ก่อนหน้านี้ ผลงานของเขาเคยจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วประเทศเม็กซิโก รวมถึงมีส่วนร่วมในโครงการทางวัฒนธรรมระดับประเทศ เช่น การสร้างสรรค์ผลงานศิลปะอย่างเป็นทางการให้กับเทศกาลภาพยนตร์นานาชาติ</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/ricardo_luevanos_the_sky_promised_nothing_mtdkdoxu_inline_1_5aa654ee3e.jpg" alt="contemporary art sculpture installation gallery space" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง</p></div><p>นิทรรศการครั้งนี้มุ่งเจาะลึกถึงโลกภายในของอารมณ์มนุษย์ ผ่านรูปแบบของงานติดตั้ง ประติมากรรม ภาพวาด และผลงานศิลปะที่ใช้ตัวอักษร โดยบริเวณใจกลางของแกลเลอรีได้ถูกเนรมิตให้เป็นพื้นที่สำหรับงานติดตั้งเฉพาะสถานที่ ซึ่งประกอบด้วยบันไดที่หักพังและตั้งตระหง่านขึ้นมาจากพื้นดิน บันไดชุดนี้ขาดขั้นแรกไปจนทำให้การก้าวขึ้นไปในตอนเริ่มต้นกลายเป็นเรื่องที่เป็นไปไม่ได้</p><p>รอบ ๆ พื้นที่ที่ว่างเปล่านั้น เก้าอี้ แพลตฟอร์มที่แขวนอยู่ และแท่นวาง ได้ถูกนำมาปรับใช้ให้ทำหน้าที่เป็นขั้นบันไดทางเลือก ซึ่งสะท้อนถึงความเป็นไปได้ใหม่ ๆ นอกเหนือจากข้อจำกัดที่มีอยู่ นอกจากนี้ยังมีประติมากรรมรูปนกแขวนลอยอยู่ทั่วพื้นที่ เพื่อทำหน้าที่เป็นทั้งจุดตัดกันและการสะท้อนความคิด</p><div class="ai-insight"><p>การนำเสนอผลงานศิลปะร่วมสมัยของศิลปินจากละตินอเมริกาในกรุงโตเกียวครั้งนี้ สะท้อนให้เห็นถึงความเชื่อมโยงทางวัฒนธรรมระดับโลกที่ก้าวข้ามพรมแดน การใช้สัญลักษณ์อย่างบันไดที่ก้าวขึ้นไม่ได้และนกที่บินได้อิสระ เป็นภาษาภาพสากลที่ช่วยสื่อสารเรื่องราวเชิงปรัชญาเกี่ยวกับความเหลื่อมล้ำและเสรีภาพของมนุษย์ได้อย่างทรงพลัง</p></div><p>ในพื้นที่จัดแสดงยังประกอบไปด้วยภาพบุคคลที่มีใบหน้าถูกปกปิดเอาไว้ รวมถึงผลงานข้อความที่วาดขึ้นด้วยมือ ซึ่งองค์ประกอบเหล่านี้ช่วยร่วมกันเจาะลึกในประเด็นเกี่ยวกับความทรงจำ เอกลักษณ์ความเป็นตัวตน และความหวังของผู้คนได้อย่างลึกซึ้ง</p><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/broken-ladders-bird-sculptures-hidden-faces-ricardo-luevano-tokyo-exhibition-the-sky-promised-nothing/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>Ricardo Luevanos hosts his first solo exhibition in Asia titled The Sky Promised Nothing</li><li>Hosted at Diesel Art Gallery in Tokyo from July 25th to September 23rd, 2026</li><li>Features a blend of digital drawing, mixed media, painting, sculpture, and site-specific installation</li><li>Central highlights include a broken ladder missing its first steps and suspended bird sculptures</li></ul></div><p>Based in Guadalajara, Mexico, artist Ricardo Luevanos is presenting The Sky Promised Nothing, which marks his very first solo exhibition in Asia. The art showcase is being held at Diesel Art Gallery in Tokyo, Japan, running from July 25th through September 23rd, 2026.</p><p>Luevanos works across a diverse range of mediums, including digital drawing, mixed media, painting, sculpture, and installation art. Through his practice, he crafts poetic visual narratives that delve into longing, nostalgia, hope, and the persistent human desire to transcend perceived limitations. His previous portfolio includes solo museum exhibitions across Mexico as well as contributions to the nation's broader cultural scene, such as creating official artwork for international film festivals.</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/ricardo_luevanos_the_sky_promised_nothing_mtdkdoxu_inline_1_5aa654ee3e.jpg" alt="contemporary art sculpture installation gallery space" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">Stock photo for illustration only, not from the actual event</p></div><p>The exhibition investigates the inner emotional landscape of human beings through a combination of installations, sculptures, paintings, and text-based artworks. At the heart of the gallery space stands a site-specific installation featuring a broken ladder rising directly from the floor. Its bottom steps are missing, rendering the initial ascent impossible.</p><p>Surrounding this void, a chair, a suspended platform, and a pedestal serve as alternative steps, hinting at fresh possibilities beyond physical limitations. Additionally, bird sculptures are suspended throughout the gallery area, acting as both a contrast and a reflection for visitors.</p><div class="ai-insight"><p>Bringing a contemporary Latin American artist to Tokyo highlights an expanding cross-cultural dialogue in the global art scene. The clever use of symbolic objects—such as a ladder missing its base and birds representing flight—offers a universal philosophical language about human aspiration and boundaries.</p><p>The collection also features portraits with obscured faces alongside hand-painted text pieces, which further examine core themes revolving around memory, personal identity, and enduring hope.</p></div><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/broken-ladders-bird-sculptures-hidden-faces-ricardo-luevano-tokyo-exhibition-the-sky-promised-nothing/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

medium_ricardo-luevanos-จัดนิทรรศการ-the-sky-promised-nothing-mtdkdoxu.jpg

small_ricardo-luevanos-จัดนิทรรศการ-the-sky-promised-nothing-mtdkdoxu.jpg

thumbnail_ricardo-luevanos-จัดนิทรรศการ-the-sky-promised-nothing-mtdkdoxu.jpg

ricardo-luevanos-จัดนิทรรศการ-the-sky-promised-nothing-mtdkdoxu.jpg

ริการ์โด ลูเอวานอส ศิลปินจากเม็กซิโก เปิดตัวนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกในเอเชีย ณ ดีเซล อาร์ต แกลเลอรี โตเกียว จัดแสดงถึง 23 ก.ย. 2026

Guadalajara-based artist Ricardo Luevanos presents The Sky Promised Nothing, his first solo exhibition in Asia at Diesel Art Gallery in Tokyo until Sept 23, 2026.

Ricardo Luevanos จัดนิทรรศการ The Sky Promised Nothing

Ricardo Luevanos Opens Tokyo Solo Exhibition

<div class="key-takeaways"><ul><li>S+DLH ร่วมมือกับ VASTO เปิดตัวนิทรรศการ Capsule 04 ในกรุงมาดริด</li><li>จัดแสดงผลงานของศิลปิน 3 ราย ได้แก่ Pol Agustí, Max Milà Serra และ Esther Gatón</li><li>ผสานงานศิลปะ งานออกแบบ และสิ่งของสะสมเข้ากับสถาปัตยกรรมอย่างไร้รอยต่อ</li></ul></div><p>S+DLH สตูดิโอออกแบบจากมาดริด ได้เริ่มต้นความร่วมมือระยะยาวกับ VASTO gallery บ้านแกลเลอรีในย่าน Poblenou ที่ก่อตั้งโดย Carmen Riestra โดยความร่วมมือนี้ไม่ได้มองว่างานศิลปะเป็นเพียงของตกแต่งชิ้นสุดท้ายหลังการแต่งภายในเสร็จสิ้น แต่เลือกที่จะผสานงานศิลปะเข้ากับโครงการที่อยู่อาศัยและเชิงพาณิชย์ในอนาคตของสตูดิโอ นิทรรศการ Capsule 04 จึงทำหน้าที่เป็นห้องทดลองแรกในการสร้างภาษาร่วมกัน ผ่านวัสดุ บรรยากาศ และวิธีที่วัตถุส่งผลต่อการรับรู้พื้นที่</p><p>นิทรรศการดังกล่าวจัดขึ้นภายในพื้นที่ของ S+DLH ในกรุงมาดริด โดยมีผลงานจากศิลปินในโครงการของ VASTO จำนวน 3 ท่านมาร่วมสร้างสรรค์บรรยากาศ</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/s_dlh_vasto_capsule_04_mt7uq5i7_inline_1_6b6182824f.jpg" alt="modern sculpture art exhibition interior design" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง</p></div><ul><li><strong>Pol Agustí:</strong> ศิลปินชาวบาร์เซโลนาที่อาศัยอยู่ในเม็กซิโกซิตี้ ทำงานคาบเกี่ยวระหว่างวัตถุ พิธีกรรม และการมีอยู่ โดยใช้ดินเหนียวและวัสดุนำกลับมาใช้ใหม่เพื่อสร้างรูปทรงที่เผาด้วยอุณหภูมิต่ำ</li><li><strong>Max Milà Serra:</strong> ศิลปินจากบาร์เซโลนาที่เน้นโครงสร้างมินิมอลผสานวิศวกรรม แสงสว่าง และการรับรู้ เพื่อปรับบรรยากาศรอบตัว</li><li><strong>Esther Gatón:</strong> ทำงานด้านประติมากรรม การจัดวาง สื่อโสตทัศน์ และข้อความ โดยใช้ผ้าลินินย้อมมือผ่านกระบวนการช้าๆ ที่ไม่ทำซ้ำ</li></ul><div class="ai-insight"><p>ความร่วมมือระหว่างสถาปัตยกรรมและแกลเลอรีศิลปะในลักษณะนี้สะท้อนให้เห็นถึงแนวคิดการออกแบบร่วมสมัยที่ไม่อยากแยกงานสถาปัตยกรรมออกจากงานศิลปะเด็ดขาด การนำสิ่งของจากคลังสะสมของ S+DLH มาจัดวางร่วมกับงานศิลปะช่วยให้พื้นที่ภายในอาคารดูมีชีวิตชีวาและสะท้อนตัวตนของผู้ใช้งานได้ดีกว่าการเลือกซื้อเฟอร์นิเจอร์สำเร็จรูปทั่วไป</p></div><p>นอกเหนือจากศิลปินทั้งสามรายแล้ว ทาง S+DLH ยังได้นำเสนอชิ้นงานจากการปฏิบัติงานออกแบบของตนเอง ซึ่งรวมถึงวัตถุที่นำมาจัดแสดงต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรก และชิ้นงานที่กู้คืนมาจากคลังสะสมหลายปี วัตถุเหล่านี้ถูกจัดวางร่วมกันภายใต้แนวคิด Selected to live inside architecture เพื่อให้งานศิลปะ เฟอร์นิเจอร์ แสงไฟ และวัตถุที่พบเจอสามารถอยู่ร่วมกันได้โดยไม่มีลำดับชั้นที่เคร่งครัด</p><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/sierra-de-la-higuera-vasto-gallery-art-collectible-design-one-roof/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>S+DLH partners with VASTO gallery to launch the Capsule 04 exhibition in Madrid</li><li>Features works by three VASTO-represented artists: Pol Agustí, Max Milà Serra, and Esther Gatón</li><li>Blends contemporary art, lighting, and collectible design seamlessly into architecture</li></ul></div><p>Madrid-based architecture studio S+DLH has kicked off an ongoing collaboration with Poblenou-based home gallery VASTO, founded by Carmen Riestra. Rather than treating art as a mere finishing touch after an interior is completed, the partnership integrates VASTO-represented works directly into future residential and commercial projects by the studio. Capsule 04 serves as the initial experiment in this shared language, connecting both practices through materiality, atmosphere, and spatial perception.</p><p>The exhibition unfolds inside the S+DLH space in Madrid, featuring three distinct artists from the VASTO programme.</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/s_dlh_vasto_capsule_04_mt7uq5i7_inline_1_6b6182824f.jpg" alt="modern sculpture art exhibition interior design" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">Stock photo for illustration only, not from the actual event</p></div><ul><li><strong>Pol Agustí:</strong> Based between Barcelona and Mexico City, he works with clay and recovered materials, using low-temperature firing to preserve traces of gesture and fire.</li><li><strong>Max Milà Serra:</strong> A Barcelona-based artist focusing on minimal structures that combine engineering, light, and perception to quietly recalibrate a room's atmosphere.</li><li><strong>Esther Gatón:</strong> Works across sculpture, installation, audiovisual media, and text, notably using hand-dyed linen produced through slow, non-repeatable processes.</li></ul><div class="ai-insight"><p>This integration of architecture and collectible design highlights a growing trend in contemporary interiors where spatial composition takes precedence over rigid categorizations. By exhibiting archive objects alongside newly presented designs without a strict hierarchy, the installation encourages environments that evolve organically over time rather than looking like standard showrooms.</p></div><p>Alongside the VASTO artists, S+DLH introduces pieces from its own design practice, featuring objects shown publicly for the first time alongside items recovered from years of archiving. Under the subtitle Selected to live inside architecture, art, furniture, and lighting coexist freely, creating interiors that feel genuinely assembled rather than artificially styled.</p><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/sierra-de-la-higuera-vasto-gallery-art-collectible-design-one-roof/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

medium_s-dlh-และ-vasto-จัดนิทรรศการ-capsule-04-ผสานงานศิลปะและดีไซน์-mt7uq5i7.jpg

small_s-dlh-และ-vasto-จัดนิทรรศการ-capsule-04-ผสานงานศิลปะและดีไซน์-mt7uq5i7.jpg

thumbnail_s-dlh-และ-vasto-จัดนิทรรศการ-capsule-04-ผสานงานศิลปะและดีไซน์-mt7uq5i7.jpg

s-dlh-และ-vasto-จัดนิทรรศการ-capsule-04-ผสานงานศิลปะและดีไซน์-mt7uq5i7.jpg

สตูดิโอสถาปัตยกรรม S+DLH ร่วมมือกับ VASTO gallery เปิดนิทรรศการ Capsule 04 ในมาดริด จัดแสดงผลงานจากศิลปิน 3 คน พร้อมเฟอร์นิเจอร์และของตกแต่งจาก S+DLH

Madrid architecture studio S+DLH and VASTO gallery launch Capsule 04 exhibition, showcasing works by three artists alongside archival S+DLH design pieces.

S+DLH และ VASTO จัดนิทรรศการ Capsule 04 ผสานงานศิลปะและดีไซน์

S+DLH and VASTO gallery Unite Art and Design in Capsule 04

<div class="key-takeaways"><ul><li>Ann Veronica Janssens จัดนิทรรศการที่ Hermès Ginza กรุงโตเกียว ประเทศญี่ปุ่น</li><li>จัดแสดงผลงานศิลปะที่เล่นกับแสง หมอกเทียม และการรับรู้พื้นที่</li><li>ไฮไลต์ผลงานเด่น เช่น Rose (2007) และ Untitled (blue glitter)</li><li>เปิดให้เข้าชมตั้งแต่วันที่ 11 กันยายน 2026 ถึง 11 มกราคม 2027</li></ul></div><p>Ann Veronica Janssens ศิลปินหญิงผู้เกิดที่เมืองฟอล์กสโตนในปี 1956 และปักหลักทำงานในกรุงบรัสเซลส์ ใช้เวลากว่าหลายทศวรรษในการทดลองว่างานศิลปะชิ้นหนึ่งต้องใช้องค์ประกอบน้อยเพียงใดจึงจะสามารถพลิกโฉมห้องทั้งห้องให้ต่างไปจากเดิมได้อย่างสิ้นเชิง ในช่วงแรกของการทำงานเธอมุ่งเน้นไปที่วัสดุอย่างไม้อัด กระจก และคอนกรีต ก่อนที่จะเบนความสนใจมาสู่การใช้แสง เสียง และหมอกเทียมราวช่วงต้นทศวรรษ 1990 แทนที่จะเติมเต็มสถาปัตยกรรมด้วยวัตถุกายภาพ ผลงานของเธอเลือกที่จะลดทอนความชัดเจนของขอบมุมอาคาร โดยอาศัยการสะท้อน ความโปร่งใส และสภาพบรรยากาศที่แปรเปลี่ยน เพื่อทำให้พื้นที่ว่างตรงหน้าคล้ายกับสูญเสียความมั่นคงและคาดเดาไม่ได้ภายในเวลาเพียงไม่กี่นาที</p><p>ภายในงานจัดแสดงที่จัดขึ้น ณ ย่านกินซ่า กรุงโตเกียว ประเทศญี่ปุ่น นิทรรศการครั้งนี้ได้รวบรวมผลงานชิ้นสำคัญมาถ่ายทอดมุมมองทางศิลปะที่ท้าทายประสาทสัมผัส หนึ่งในนั้นคือผลงานที่มีชื่อว่า Rose ซึ่งสร้างขึ้นในปี 2007 โดยเป็นการใช้สปอตไลต์จำนวน 7 ดวงส่องทะลุผ่านละอองอนุภาคที่แขวนลอยอยู่ในอากาศ จนทำให้แสงที่กระจายตัวอยู่นั้นดูหนาแน่นขึ้นจนเกือบจะมีรูปร่างจับต้องได้ Janssens มักทำงานอยู่ในพื้นที่ก้ำกึ่งระหว่างสสารและความไร้ตัวตน ซึ่งเป็นจุดที่ลำแสงสามารถแสดงพฤติกรรมราวกับเป็นรูปปั้นประติมากรรม และห้องที่ดูเหมือนว่างเปล่ากลับมีความหนาแน่นขึ้นมาอย่างกะทันหัน</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/hermes_ginza_2026_ann_veronica_janssens_mt74saqr_inline_1_f6ddfe6ccd.jpg" alt="Tokyo Japan modern architecture building exterior" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง</p></div><p>นอกจากนี้ยังมีผลงานชิ้นอื่นๆ ที่น่าสนใจ เช่น Untitled (blue glitter), open sculpture #1 ซึ่งสร้างสรรค์ขึ้นในช่วงปี 2015 ถึง 2026 โดยผลงานชิ้นนี้มีการโปรยกลิตเตอร์สีฟ้าขนาดไมโครกระจายไปทั่วพื้นห้อง เพื่อคอยรองรับแสงที่เปลี่ยนแปลงไปตลอดเวลา พร้อมทั้งบันทึกผลกระทบชั่วขณะจากการเคลื่อนไหว มุมมองของผู้ชม และมิติของเวลา นิทรรศการครั้งนี้จัดขึ้นที่ Hermès Ginza ตั้งอยู่ ณ เลขที่ 5 Chome 4-1 กินซ่า กรุงโตเกียว โดยเปิดให้ผู้สนใจเข้าชมผลงานศิลปะที่ผสมผสานแสงและหมอกนี้ได้ตั้งแต่วันที่ 11 กันยายน 2026ยาวไปจนถึงวันที่ 11 มกราคม 2027</p><div class="ai-insight"><p>การนำเสนอผลงานของ Ann Veronica Janssens ถือเป็นการท้าทายแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับการจัดแสดงนิทรรศการที่มักเน้นการนำวัตถุหรือประติมากรรมมาวางตั้งในพื้นที่ แต่ศิลปินกลับเปลี่ยนสถาปัตยกรรมรอบตัวให้กลายเป็นส่วนหนึ่งของผลงานผ่านการใช้ปรากฏการณ์ทางธรรมชาติจำลอง เช่น แสงและหมอก ซึ่งกระตุ้นให้ผู้ชมต้องตระหนักถึงการรับรู้ทางสายตาและการเปลี่ยนแปลงของพื้นที่รอบตัวในแต่ละวินาทีที่ผ่านไป</p></div><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/ann-veronica-janssens-hermes-ginza-exhibition-light-fog/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>Ann Veronica Janssens exhibits light and fog installations at Hermès Ginza in Tokyo, Japan.</li><li>The artworks explore shifting perceptions, reflections, and atmospheric conditions in architecture.</li><li>Key pieces include Rose (2007) and Untitled (blue glitter) spanning 2015 to 2026.</li><li>The exhibition runs from September 11, 2026, through January 11, 2027.</li></ul></div><p>Born in Folkestone in 1956 and based in Brussels, Ann Veronica Janssens has spent decades testing how minimally an artwork can intervene to completely reorganize an interior space. After initially working with materials such as plywood, glass, and concrete, she shifted her focus toward light, sound, and artificial fog around the early 1990s. Rather than filling architecture with physical objects, her installations blur architectural edges through reflection, transparency, and shifting atmospheric conditions, making spaces feel remarkably less dependable than moments prior.</p><p>Among the pieces presented in Tokyo, Japan, is Rose (2007), an installation where seven spotlights cut through suspended particles, transforming dispersed illumination into something that appears nearly solid. Janssens frequently operates within the delicate threshold between matter and immateriality, where a beam of light can behave like a sculpture and an empty room suddenly gains physical thickness.</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/hermes_ginza_2026_ann_veronica_janssens_mt74saqr_inline_1_f6ddfe6ccd.jpg" alt="Tokyo Japan modern architecture building exterior" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">Stock photo for illustration only, not from the actual event</p></div><p>The showcase also features works such as Untitled (blue glitter), open sculpture #1 (2015–2026), in which blue micro-glitter spreads across the floor to catch changing light and register the fleeting effects of movement, viewpoint, and time. Hosted at Hermès Ginza located at 5 Chome 4-1 Ginza, Tokyo, the exhibition welcomes visitors to experience these shifting perceptual environments from September 11, 2026, to January 11, 2027.</p><div class="ai-insight"><p>Ann Veronica Janssens' approach challenges traditional exhibition models by removing solid objects in favor of ephemeral elements like light and fog. By manipulating atmospheric conditions, the artist forces viewers to question their spatial awareness and how human perception adapts to continuously changing environments within an architectural setting.</p></div><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/ann-veronica-janssens-hermes-ginza-exhibition-light-fog/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

medium_hermès-ginza-2026-ann-veronica-janssens-จัดนิทรรศการศิลปะแสงและหมอก-mt74saqr.jpg

small_hermès-ginza-2026-ann-veronica-janssens-จัดนิทรรศการศิลปะแสงและหมอก-mt74saqr.jpg

thumbnail_hermès-ginza-2026-ann-veronica-janssens-จัดนิทรรศการศิลปะแสงและหมอก-mt74saqr.jpg

hermès-ginza-2026-ann-veronica-janssens-จัดนิทรรศการศิลปะแสงและหมอก-mt74saqr.jpg

Ann Veronica Janssens จัดนิทรรศการเดี่ยวที่ Hermès Ginza กรุงโตเกียว นำเสนอผลงานศิลปะแสง สี และหมอกเทียม ตั้งแต่วันที่ 11 กันยายน 2026 ถึง 11 มกราคม 2027

Ann Veronica Janssens presents a solo exhibition at Hermès Ginza in Tokyo, featuring light, sound, and artificial fog installations from September 11, 2026 to January 11, 2027.

Hermès Ginza 2026: Ann Veronica Janssens จัดนิทรรศการศิลปะแสงและหมอก

Hermès Ginza 2026: Ann Veronica Janssens Light and Fog Exhibition

<div class="key-takeaways"><ul><li>André Wendland จัดนิทรรศการเดี่ยวชุด On Stage ที่ BETTER GO SOUTH</li><li>ผลงานได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดเสียงรอบตัวของ John Cage มาปรับใช้กับภาพ</li><li>ชิ้นงานสำรวจภาษาของพื้นที่การแสดง ฉากละคร และม่านบังตา</li></ul></div><div class="video-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/WNN9AGDJZa4?si=6CbHZfl8olDYz4lNrel=0&amp;hd=1&autohide=1&showinfo=0&autoplay=1&enablejsapi=1&origin=*&mute=1" title="Embedded video" loading="lazy" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe></div><p>สำหรับงาน Berlin Art Week 2026 ศิลปินชาวเยอรมัน André Wendland ได้เปลี่ยนพื้นที่ของ BETTER GO SOUTH ให้กลายเป็นพื้นที่ลูกผสมระหว่างแกลเลอรี โรงละคร และกลไกภาพลวงตาอันซับซ้อน นิทรรศการเดี่ยวที่มีชื่อว่า On Stage นี้ มุ่งสำรวจภาษาของพื้นที่การแสดงและการออกแบบฉาก ผ่านภาพวาดขนาดใหญ่ที่เต็มไปด้วยม่าน กรอบเวที อุปกรณ์ประกอบฉาก และชิ้นส่วนในชีวิตประจำวันที่มีกลิ่นอายความเป็นละคร ผลงานชุดนี้สร้างขึ้นระหว่างโครงการพำนักศิลปินในกรุงเบอร์ลินช่วงฤดูร้อน โดยมองว่าการมองเห็นคืออีเวนต์ที่ถูกจัดฉากขึ้น</p><p>แนวคิดดังกล่าวได้รับอิทธิพลจากความสนใจในเสียงธรรมดาของ John Cage โดย Wendland นำตรรกะนี้มาปรับใช้กับด้านการมองเห็น เพื่อเปลี่ยนองค์ประกอบที่ดูธรรมดาให้กลายเป็นวัสดุสำหรับมหรสพที่ถูกวิศวกรรมขึ้นมา ผ้าใบจึงทำหน้าที่เป็นส่วนหนึ่งของฉากมากกว่าจะเป็นหน้าต่างมองออกไป ม่านทำหน้าที่ปกปิดพอๆ กับที่เปิดเผย มือโผล่ขึ้นมาแล้วหายลับไป และวัตถุถูกตัดทอนหรือขยายส่วนจนยากจะคาดเดาขนาดที่แท้จริง</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/berlin_art_week_2026_andre_wendland_msz9x23s_inline_1_48e3b38d61.jpg" alt="Germany Berlin art exhibition gallery interior" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">ภาพประกอบจากคลังภาพสต็อก ไม่ใช่ภาพจากเหตุการณ์จริง</p></div><div class="ai-insight"><p>การนำแนวคิดของ John Cage ศิลปินแนวหน้าด้านดนตรีเชิงทดลอง มาประยุกต์ใช้กับงานทัศนศิลป์ของ Wendland สะท้อนให้เห็นความพยายามในการท้าทายการรับรู้ของผู้ชม โดยดึงเอาเสียงรอบข้างหรือความเงียบในบริบทดนตรี มาแปลงเป็นความว่างเปล่าและจังหวะทางสายตาในภาพวาด ซึ่งช่วยเพิ่มมิติเชิงปรัชญาให้กับงานนิทรรศการศิลปะร่วมสมัย</p></div><p>แสงเงาถูกหยิบมาใช้เป็นอุปกรณ์ประกอบฉากชิ้นสำคัญ พื้นที่สีสว่างจ้าตัดกับเงาตกกระทบที่เข้มข้นและภาพซูมระยะใกล้ขนาดใหญ่ สร้างความรู้สึกว่าตัวsubjectกำลังถูกส่องสว่างจากด้านหลังผ้าใบ เทคนิคนี้ดึงเอาความคุ้นเคยจากแอนิเมชันคลาสสิกและการออกแบบฉากละครวินเทจมาใช้ เพื่อทำให้ภาพวาดแบนราบมีมิติทางกายภาพขึ้นมาได้</p><p>ม่านที่ปรากฏซ้ำๆ กลายเป็นเครื่องมือชิ้นเอกของนิทรรศการ Wendland ใช้รูปทรงผ้าพับ มือที่ไร้ร่าง และหุ่นเชิด เพื่อสร้างสถานการณ์ยากจะคาดเดาราวกับกลมายา ซึ่งการมองเห็นถูกเจรจาต่อรองอยู่ตลอดเวลา หุ่นเชิดถูกนำมาใช้แทนที่ผู้แสดงที่เป็นมนุษย์ ตอกย้ำความรู้สึกชวนอึดอัดว่าสิ่งที่ดูเหมือนเกิดขึ้นเองอาจถูกกำกับไว้หมดแล้ว ผลงานชิ้นสำคัญในนิทรรศการได้แก่ภาพ A Storm is Coming, Born Ready I และ Can you believe it?</p><p class="source-attribution">ที่มา: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/andre-wendland-pulls-back-the-curtain-on-everyday-spectacle-for-berlin-art-week/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

<div class="key-takeaways"><ul><li>André Wendland presents his solo exhibition On Stage at BETTER GO SOUTH</li><li>The series draws inspiration from John Cage's approach to ordinary sound</li><li>Large-format paintings explore performance spaces, sets, and theatrical elements</li></ul></div><div class="video-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/WNN9AGDJZa4?si=6CbHZfl8olDYz4lNrel=0&amp;hd=1&autohide=1&showinfo=0&autoplay=1&enablejsapi=1&origin=*&mute=1" title="Embedded video" loading="lazy" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe></div><p>For Berlin Art Week 2026, German artist André Wendland turns BETTER GO SOUTH into something between a gallery, a theatre, and a visual trick. Titled On Stage, the solo exhibition explores the language of performance spaces and set design through large-format paintings populated by curtains, proscenium-like frames, and theatrical fragments of everyday life. Created during a summer residency in Berlin, the series treats looking itself as a staged event.</p><p>Taking cues from John Cage's attention to ordinary sound, Wendland shifts that logic toward the visual, treating unremarkable elements as material for an engineered spectacle. The canvas becomes part of the scenery itself. Curtains conceal as much as they reveal, hands emerge before slipping away, and objects appear cropped or enlarged until their original scale becomes uncertain, all without needing dramatic events to unfold.</p><div class="mb-20"><img class="img-bdrd-16" src="https://api.inewgen.co/uploads/berlin_art_week_2026_andre_wendland_msz9x23s_inline_1_48e3b38d61.jpg" alt="Germany Berlin art exhibition gallery interior" loading="lazy" /><p class="color-gray-500 text-sm mt-10">Stock photo for illustration only, not from the actual event</p></div><div class="ai-insight"><p>Applying John Cage's avant-garde musical philosophy of everyday sounds to visual arts allows Wendland to challenge standard viewer perception. By translating the conceptual weight of ambient sound into visual rhythms and empty spaces, the artist bridges modern conceptual art with traditional theatrical mechanics.</p><p>Lighting operates as another stage prop within the artworks. Luminous expanses of color meet hard drop-shadows and oversized close-ups, creating an impression that subjects are illuminated from behind the canvas. This effect borrows visual shorthand from classic animation and vintage stage design, making flat paintings behave spatially and blurring the line between image and set.</p><p>The recurring curtain serves as the exhibition's primary accomplice. Wendland employs draped forms, disembodied hands, and hand puppets to construct sleight-of-hand scenarios where visibility is constantly negotiated. Puppets stand in for human performers, reinforcing the eerie notion that spontaneous moments are pre-directed. Key pieces featured in the exhibition include A Storm is Coming, Born Ready I, and Can you believe it?</p><p class="source-attribution">Source: <img src="https://www.google.com/s2/favicons?domain=www.designboom.com&sz=64" alt="designboom" class="source-logo" width="16" height="16" /> <a href="https://www.designboom.com/art/andre-wendland-pulls-back-the-curtain-on-everyday-spectacle-for-berlin-art-week/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">designboom</a></p>

medium_berlin-art-week-2026-andré-wendland-เผยโฉมงานเดี่ยว-msz9x23s.jpg

small_berlin-art-week-2026-andré-wendland-เผยโฉมงานเดี่ยว-msz9x23s.jpg

thumbnail_berlin-art-week-2026-andré-wendland-เผยโฉมงานเดี่ยว-msz9x23s.jpg

berlin-art-week-2026-andré-wendland-เผยโฉมงานเดี่ยว-msz9x23s.jpg

ศิลปินเยอรมัน André Wendland จัดนิทรรศการเดี่ยว On Stage เปลี่ยนพื้นที่ BETTER GO SOUTH ให้กลายเป็นเวทีละครและภาพลวงตา ในงาน Berlin Art Week 2026

German artist André Wendland transforms BETTER GO SOUTH into a theatrical gallery space for his solo exhibition On Stage during Berlin Art Week 2026.

Berlin Art Week 2026: André Wendland เผยโฉมงานเดี่ยว

Berlin Art Week 2026: André Wendland Showcases Solo

Inewgen

Inewgen

#contemporary art

Bangkok Art Biennale 2026: TAT Spotlights Contemporary Art

Inewgen

Naru Hiko Oil Paintings Capture Everyday Japan Scenes

Inewgen

Atlas Re-Edificatoria 2026: Renovation Photography Meets Catalan Art

Inewgen

Manifesta 16 Explores the Ruhr's Churches and History

Inewgen

Ricardo Luevanos Opens Tokyo Solo Exhibition

Inewgen

S+DLH and VASTO gallery Unite Art and Design in Capsule 04

Inewgen

Hermès Ginza 2026: Ann Veronica Janssens Light and Fog Exhibition

Inewgen

Berlin Art Week 2026: André Wendland Showcases Solo

Inewgen